廖修平以版畫聞名國際，然而想要了解他的創作生命的人，非得由他早期的油畫開始。

這些早期油畫作品的創作時間可追溯到1957年代，當時他還是師大美術系的學生，才20歲出頭，他畫著母親、靜物、裸女、觀音山風景…，畫風已經十分穩健、又不失赤子之心。

他的畫風隨他移動的足跡而改變：從台灣到日本、到巴黎、到紐約，像是一隻毛毛蟲成為蝴蝶的蛻變，而其中的主要基素一成不變都是台灣本土所給予的養分，他從幼小心靈所接觸的廟宇、門神，到生活中飲茶使用的茶具，擴及人生的悲歡離合。

從廖修平的早期油畫看他畢生的版畫藝術，其中的關聯性與發展，間接呈現一名藝術家的演變與獨特風格，其實來自最親近的「故鄉」。

故鄉不只是一個名詞，他在藝術家身上是一種呼聲與信仰，失去這個呼聲與信仰，每一件創作都將是空洞的。

我們都知道，廖修平在學時受教於廖繼春、並進李石樵門下專攻油畫，所以其油畫作品些微透出李系的風格；即便畫中所用的道具，也都是李石樵靜物畫中所令人眼熟的。

從大三開始，他有了人體寫生油畫課程，當時他以林絲緞為模特兒，畫了多幅人體油畫，他謙稱為習作，然而面對這些習作，不免讓人好奇，如果他持續走油畫創作的路線，如今會是什麼局面？

廖修平的淡水風景畫優雅細緻，甚至帶一些風情，這是畫家嚴謹的性格中所少見氛圍。原來，他的太太是淡水一帶的人，他們時常在淡水「走來走去」，畫家故意不用「散步」這個字眼顯然與他保守的個性有關；不過戀愛中人看景物，勢必比一般人多一層浪漫。

幾件100號的大作，描寫鹿港文物館、廟宇、門神、漁船…等主題大都不離台灣的民俗生活。他用記憶完成這批畫作—許多在日本畫的，畫面結構與現實已經過乾坤大移轉，但是卻更具繪畫的張力，原始景物只提供他創作的觸媒，以及主題的精神和情感。

他版畫中的廟、符號系列…都源起於他的早期油畫的相同主題，也就是說，他只是變換了創作媒才，而一直延續著思鄉的情緒。

倘若沒有著些早期油畫，我們只看見廖修平的一半。