台灣風景繪畫，自日治時期開始，以油彩、水彩、膠彩等媒材呈現南國的「地方色」。戰後，水墨繪畫以相異的創作風格與觀點加入。解嚴後，興起後現代觀念，媒材運用多元化、題材自由開放，風景不再是記錄式的直觀表現。當代藝術家如何創造個人的「心象」風景？這次南畫廊邀請許銘仁、楊奕軒兩位藝術家，以不同媒材創作台灣風景的內心世界。「無聲色」的畫面，總結1895年至今的美術變遷，無限大的思想。

許銘仁以抽象性的炭筆素描呈現一系列的圖景，此系列長達十年，本次為系列的延伸及轉折點。作品「圖景的表述」涵蓋著對繪畫景象中一些命題的思考，例如：時間、形象、辨識、擇選、直覺、記憶…..甚至是色彩。將作品同時的並置與展出，意味著這些思考在繪畫過程的並存與不可分割。

楊奕軒的創作取材自台灣山脈，以極簡構圖思考風景，畫面不斷地拉正取直試圖規格化。回溯自身的本質，從探索自己與環境間的關係改變，過程中不斷處理空氣與濕度，當色彩被去除時似乎也超越時間的概念，我們無法藉由色彩窺見作品裡是清晨、黃昏或季節，觀者更能聚焦於空氣與濕度的關係。作品雖是靜止，卻感受山的脈動進入無聲的領域。

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▍關於藝術家

#許銘仁 (b.1975)台北出生，紐約州立大學New Paltz分校MFA。長期以紙本創作，執著於純粹的素描形式，由單色調的狀態呈現抽象化後的風景，朦朧而低限。作品典藏於國美館、藝術銀行。

#楊奕軒 (b.1987)台南出生，國立清華大學藝術與設計學系碩士班創作組藝術碩士。以寫實繪畫見長，近期受傳統黑白相片啟發，用攝影角度思考繪畫，鑽研黑白之間，灰階的變化及層次，以及鏡頭之下的透視研究。曾獲2018年全國美展銀牌、大墩美展等。